• JOHN FOGERTY: Legacy - The Creedence Clearwater Revival Years - John's Version -2025-
• HAIM: I Quit -2025-
• THE DIVINE COMEDY: Rainy Sunday Afternoon -2025-
• CHARLES LLOYD: Figure In Blue -2025-
• GÜNTER RAPHAEL: Sinfonie Nr. 1 -2025-
• GEORGE KONTOMICHALIS: First Flight -2025-
• ROBBIE WILLIAMS: Britpop -2026-

JOHN FOGERTY
Legacy: The Creedence Clearwater Revival Years - John's Version
Vinyl, CD, Digital
Vinyl: 2 x LP Concord Records 00888072717022, CD: Concord Records 00888072709720
(2025)
Länge: 59:47

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Tracks:
1. Up Around The Bend
2. Who'll Stop The Rain
3. Proud Mary
4. Have You Ever Seen The Rain
5. Lookin' Out My Back Door
6. Born On The Bayou
7. Run Through The Jungle
8. Someday Never Comes
9. Porterville
10. Hey Tonight
11. Lodi
12. Wrote A Song For Everyone
13. Bootleg
14. Don't Look Now
15. Long As I Can See The Light
16. Down On The Corner
17. Bad Moon Rising
18. Travelin' Band
19. Green River
20. Fortunate Son

John Fogerty und die Rückkehr seiner CCR-Klassiker
Rückgewinnung der Musikrechte und neue Einspielungen
Im Jahr 2023 feierte der mittlerweile 80-jährige John Fogerty einen bedeutenden Erfolg: Nach einem langwierigen Rechtsstreit mit seiner Plattenfirma konnte er die Rechte an seinen legendären CCR-Klassikern zurückerlangen. Diese Errungenschaft markierte einen wichtigen Meilenstein in seiner Karriere und ermöglichte es ihm, seine bekanntesten Werke erneut aufzunehmen und zu veröffentlichen.

Zusammenarbeit mit der Familienband
Für dieses besondere Projekt tat sich Fogerty mit seiner Familienband zusammen, zu der seine Söhne Shane und Tyler sowie weitere talentierte Musiker gehören. Gemeinsam produzierten sie Neuaufnahmen von 20 berühmten Songs der Band Creedence Clearwater Revival (CCR). Die Arrangements blieben dabei bewusst nah an den Originalversionen und zeichnen sich durch eine handgemachte, authentische Instrumentierung aus.

Musikalische Qualität und Höhepunkte
John Fogerty überzeugt auch im hohen Alter mit kraftvollem und ausdrucksstarkem Gesang. Zu den besonderen Höhepunkten des Albums zählen Klassiker wie „Born On The Bayou“, „Long As I Can See The Light“, „Travelin’ Band“ und der Antikriegssong „Fortunate Son“. Die Neuaufnahmen bieten den Hörerinnen und Hörern ein vertrautes Musikerlebnis und bestechen durch ihre Qualität.

Wert und Bedeutung der Neuveröffentlichung
Für Kenner der Originale stellt sich zwar die Frage nach dem Mehrwert dieser nahezu identischen Neuaufnahmen, da sie die legendären Klassiker nicht übertreffen können. Dennoch zeigt Fogerty eindrucksvoll, dass er auch mit 80 Jahren ein herausragender Musiker bleibt. Die Neuveröffentlichung bietet nostalgische Gefühle und gibt ihm die Möglichkeit, seine Songs erstmals unter eigenen Rechten zu präsentieren. Für alle, die bislang keine Best-of-Sammlung von CCR besitzen, ist dieses Album eine lohnenswerte Empfehlung.

Bewertung:
8 Punkte (von 12)

Klang:
7-8 Punkte (von 12)

HAIM
I Quit
Vinyl, CD, Digital
Vinyl: 2 x LP Polydor 7572738, CD: Polydor 7572723
(2025)
Länge: 52:55

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Tracks:
1. Gone
2. All Over Me
3. Relationships
4. Down To Be Wrong
5. Take Me Back
6. Love You Right
7. The Farm
8. Lucky Stars
9. Million Years
10. Everybody's Trying To Figure Me Out
11. Try To Feel My Pain
12. Spinning
13. Cry
14. Blood On The Street
15. Now It's Time

Vielseitigkeit und Innovationskraft: Das vierte Studioalbum von Haim
Haim ist ein kalifornisches Trio, das aus den Schwestern Danielle, Alana und Este Haim besteht. Mit ihrem vierten Studioalbum „I Quit“ präsentieren die Musikerinnen eine beeindruckende Mischung verschiedener Musikrichtungen. Das Album vereint Elemente aus Rock, Pop, psychedelischem Rock, Funk, R’n’B und Folk und schafft es, diese Genres in einen eigenständigen und modernen Sound zu verwandeln. Die Vielseitigkeit der Band zeigt sich in jedem Song und unterstreicht ihre künstlerische Identität.

Herausragende Titel und stilistische Vielfalt
Besonders hervorzuheben sind die unterschiedlichen Klangfarben der einzelnen Songs. Der Titel „Gone“ überzeugt als Midtempo-Rocksong mit markanten Soul- und Gospel-Elementen, während „Down To Be Wrong“ den Indie-Pop-Rock ins Zentrum rückt. Mit „The Farm“ gelingt Haim eine gefühlvolle Folk-Ballade, die durch ihre emotionale Tiefe besticht. Der Song „Now It’s Time“ fällt vor allem durch seinen unkonventionellen, psychedelischen Indie-Rock-Stil auf und erweitert das musikalische Spektrum des Albums.

Kreativität und musikalische Handschrift
Mit „I Quit“ beweist Haim erneut ihre außergewöhnliche musikalische Vielseitigkeit und Innovationskraft. Das Album bietet ein abwechslungsreiches Hörerlebnis, das durch die kreative Handschrift der Band zu einem besonderen Genuss wird. Jeder Song trägt dazu bei, das einzigartige Profil des Trios weiter zu schärfen und zeigt, wie gekonnt Haim verschiedene Genres zu einem harmonischen Gesamtwerk verbinden.

Bewertung:
8-9 Punkte (von 12)

Klang:
7-8 Punkte (von 12)

THE DIVINE COMEDY
Rainy Sunday Afternoon
Vinyl, CD, Digital
Vinyl (Bio-Vinyl): Divine Comedy Records Limited  DCRL 123LPX, CD: Divine Comedy Records Limited DCRL 123CDX
(2025)
Länge: 42:50

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Tracks:
1. Achilles
2. The Last Time I Saw The Old Man
3. The Man Who Turned Into A Chair
4. I Want You
5. Rainy Sunday Afternoon
6. All The Pretty Lights
7. Down The Rabbit Hole
8. Mar-A-Logo By The Sea
9. The Heart Is A Lonely Hunter
10. Can't Let Go
11. Invisible Thread

Albumkritik: „Rainy Sunday Afternoon“ von The Divine Comedy
Neil Hannon gelingt es mit seinem Projekt The Divine Comedy, auf dem neuen Album „Rainy Sunday Afternoon“ erneut, intelligente und charmante Popmusik abseits gängiger Muster zu präsentieren. Die elf Songs des Albums sind überwiegend balladesk gehalten und werden von einem Orchester begleitet, was dem Werk einen nostalgischen Charakter im Stil der 1960er und 1970er Jahre verleiht. Hannons sanfter Bariton sowie die sorgfältige Instrumentierung verleihen der Musik einen bewusst klassischen und hochwertigen Klang.

Band und Produktion
Die Besetzung von The Divine Comedy besteht aus Tosh Flood (Gitarre, Backing Vocals), Andrew Skeet (Piano, Keys, Gitarre, Percussion, Backing Vocals), Ian Watson (Akkordeon, Keys, Percussion, Backing Vocals), Simon Little (Bass, Backing Vocals) und Tim Weller (Schlagzeug, Percussion). Ergänzt wird die Band durch Orchester und Chor, was für einen facettenreichen und vielschichtigen Klang sorgt. Das Album wurde in den legendären Abbey Road Studios aufgenommen und ist nach „Office Politics“ (2019) das 13. Studioalbum von The Divine Comedy.

Herausragende Titel
Besonders hervorzuheben ist der Titeltrack „Rainy Sunday Afternoon“, der als elegante, leicht verjazzte Pop-Ballade überzeugt. Ebenso sticht „Mar-a-Logo By The Sea“ hervor, eine melancholische Chanson-Pop-Parodie, die mit subtilem Humor spielt. Das bewegende „The Last Time I Saw The Old Man“ berührt als Ballade über den Abschied vom Vater und zeigt Hannons Fähigkeit, emotionale Tiefe musikalisch einzufangen.

Fazit
Insgesamt bietet „Rainy Sunday Afternoon“ anspruchsvolle britische Popkultur für Hörerinnen und Hörer mit Sinn für musikalische Raffinesse und Nostalgie. Das Album besticht durch seine klassische Ausrichtung, die vielfältige Instrumentierung und die Liebe zum Detail, die The Divine Comedy seit jeher auszeichnet.


Bewertung:
9-10 Punkte (von 12)

Klang:
9 Punkte (von 12)

CHARLES LLOYD
Figure In Blue
Vinyl, CD, Digital
Vinyl (2xLP): Blue Note 00602478449208, CD (2xCD): Blue Note 00602478449208
(2025)
Länge: 97:58

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Tracks:
1. Abide With Me (Traditional)
2. Hina Hanta, The Way Of Peace
3. Figure In Blue, Memories Of Duke
4. Desolation Sound
5. Ruminations
6. Chulahoma
7. Song My Lady Sings
8. The Ghost Of Lady Day
9. Blues For Langston
10. Heaven (from Duke Ellington)
11. Black Butterfly (from Duke Ellington + Irving Mills)
12. Ancient Rain
13. Hymn To The Mother, For Zakir
14. Somewhere (from George Gershwin, L. Bernstein, S. Sondheim)

Charles Lloyd – Figure In Blue
Ein Leben für den Jazz
Der 87-jährige Saxophonist und Flötist Charles Lloyd blickt auf eine beeindruckende musikalische Laufbahn zurück. Bereits 1955 begann er seine professionelle Karriere mit Auftritten an der Seite von Größen wie Terry Trotter und Don Cherry. Musikgeschichte schrieb Lloyd in den 1960er-Jahren, als er sein eigenes Quartett gründete. Zu den Mitgliedern zählten bekannte Musiker wie Keith Jarrett, Jack DeJohnette und Cecil McBee, die das Ensemble zu einer prägenden Kraft im zeitgenössischen Jazz machten.

Karriere und aktuelle Projekte
In den 1980er-Jahren wandte sich Charles Lloyd dem renommierten Label „ECM“ zu, für das er mehrere Alben veröffentlichte. Nach der Jahrtausendwende wechselte er zu „Blue Note“ und präsentierte dort weiterhin bemerkenswerte Werke. Zu seinen jüngsten Veröffentlichungen zählen das Album „Figure In Blue“ sowie das 2024 erschienene „The Sky Will Still Be There Tomorrow“. Für die Aufnahmen zu „Figure In Blue“ stand ihm eine erlesene Besetzung zur Seite: Jason Moran am Piano und Marvin Sewell an der Gitarre.

Musikalisches Repertoire und Stilvielfalt
Das Repertoire des Albums „Figure In Blue“ ist von spirituellem, zurückhaltendem Ethno-Jazz geprägt. Ergänzt wird diese Grundstimmung durch Jazz-Balladen wie Duke Ellingtons „Black Butterfly“ und „Heaven“ sowie Gershwins „Somewhere“. Stilistische Vielfalt zeigt sich zudem in Ausnahmen wie „Blues For Langston“, einem stark bluesorientierten Stück, bei dem Lloyds Flötenspiel an frühe Aufnahmen von Jethro Tull erinnert. Mit „Chulahoma“ präsentiert sich zudem ein eigenständiger Ethno-Blues-Jazz-Rock, der durch besonders markantes Gitarrenspiel auffällt.

Das Zusammenspiel der Musiker
Ein herausragendes Merkmal des Albums ist das Zusammenspiel der beteiligten Musiker. Die warmen Gitarrentöne von Marvin Sewell und das präzise, nuancierte Klavierspiel von Jason Moran setzen immer wieder besondere Akzente. Sie schaffen damit einen wirkungsvollen Rahmen, in dem Charles Lloyds souveränes Saxophonspiel zur Geltung kommt. Durch gekonnte Soli der Musiker entfalten die Stücke eine große klangliche Weite und kehren am Ende harmonisch zum Ausgangspunkt zurück.

Fazit
Insgesamt bietet „Figure In Blue“ fein nuancierten, luftigen und weltzugewandten Jazz. Spirituelle und meditative Elemente prägen das Album ebenso wie die außergewöhnlichen Qualitäten der Interpreten, die gemeinsam ein ebenso facettenreiches wie stimmiges Werk geschaffen haben.

Bewertung:
10 Punkte (von 12)

Klang:
9-10 Punkte (von 12)

GÜNTER RAPHAEL
ORF RADIO-SYMPHONIEORCHESTER WIEN
FABIAN ENDERS
Sinfonie Nr. 1
CD, Digital
CD: Prospero Classical PROSP 0113
Digital: 24bit/96kHz-File
(2025)
Länge: 65:56

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Tracks:
1. I. Sehr bewegt
2. II. Langsam, III. Aüßerst schnell
3. IV. Langsam - lebhaft

Ein musikalisches Melodram im Zeichen des Nationalsozialismus
Die 1. Sinfonie von Günter Raphael: Ein Meisterwerk im Schatten der Zeit
Im Jahr 1926 präsentierte der damals dreiundzwanzigjährige Berliner Komponist Günter Raphael (1903–1960) im Leipziger Gewandhaus seine erste Sinfonie. Es handelte sich um die Uraufführung dieses spätromantischen Werkes, das insgesamt fünf Sinfonien des Komponisten einläutete. Dass kein Geringerer als Wilhelm Furtwängler den Dirigentenstab führte, unterstreicht die musikalische Bedeutung des Abends. Die 1. Sinfonie entwickelte sich rasch zu Raphaels Meisterwerk.
Doch das Werk verschwand bald darauf nahezu vollständig aus der Öffentlichkeit. Im Jahr 1939 wurde Günter Raphael aufgrund seiner Abstammung im nationalsozialistischen Sinne als „Halbjude“ eingestuft und erhielt ein Berufsverbot. Damit war es ihm untersagt, weiter als Komponist tätig zu sein. Seine Werke wurden nicht mehr verlegt und von der musikalischen Öffentlichkeit boykottiert. Das Regime verhinderte systematisch Raphaels künstlerischen Erfolg.

Wiederentdeckung und musikalische Besonderheiten
Heute ermöglicht Fabian Enders gemeinsam mit dem herausragenden ORF Radio-Sinfonieorchester Wien eine eindrucksvolle Wiederbelebung dieser viersätzigen Sinfonie. Die meisterhafte Orchestrierung lässt das Werk in neuem Glanz erstrahlen und verleiht ihm eine unverkennbare Klangfarbe.
Musikalisch schlägt das spätromantische Werk Brücken zu Mahler, Wagner, Schubert, Beethoven und Strawinsky. Gleichzeitig sind immer wieder Anklänge an die Strömungen der „Neuen Musik“ zu hören. Diese Verbindung verleiht der Sinfonie ihre besondere Tiefe und Vielfalt.

Bedeutung der Veröffentlichung
Mit dieser Aufnahme erfährt das Erstlingswerk eines besonderen deutschen Komponisten endlich die verdiente Aufmerksamkeit. Sie steht im deutlichen Kontrast zur diskriminierenden und zerstörerischen Zeit des Nationalsozialismus, in der Raphaels Musik zum Schweigen gebracht wurde. Die Veröffentlichung ist somit nicht nur musikalisch, sondern auch historisch ein längst überfälliger Schritt.

Bewertung:
10-11 Punkte (von 12)

Klang:
24bit/96kHz -File
10 Punkte (von 12)

GEORGE KONTOMICHALIS
First Flight
CD, Digital
CD: Double Moon Records DMCHR71469
Digital: 24bit/96kHz-File
(2025)
Länge: 45:41

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Tracks:
1. Message To McCoy
2. Means Something To Me (feat. Sonya Sytnyk, Voc.)
3. Blues Menu (feat. Johannes Enders, Tenor Sax)
4. First Flight (feat. Johannes Enders, Tenor Sax)
5. Ruy Lopez Opening
6. Warrior Under The Rain (feat. Johannes Enders, Tenor Sax)
7. You Stepped Out Of a Dream (feat. Johannes Enders, Tenor Sax)

George Kontomichalis: Erstes Album „First Flight“ – Ein Meilenstein im modernen Jazz
Der Altsaxofonist George Kontomichalis, geboren 1994 in Thessaloniki und seit 2016 in Dresden ansässig, veröffentlicht mit „First Flight“ sein Debütalbum und setzt damit ein eindrucksvolles Zeichen in der aktuellen Jazzszene. Dieser musikalische „Erstflug“ überzeugt nicht nur durch die außergewöhnliche Klasse des Bandleaders, sondern auch durch die exzellente Begleitung seiner Band. Mit Andreas Lang am Kontrabass, Sebastian Merk am Schlagzeug und Tino Derado am Klavier hat Kontomichalis eine hochkarätige Rhythmusgruppe an seiner Seite. Für besondere Klangfarben sorgt zudem der Tenorsaxofonist Johannes Enders, der auf vier Titeln als Gast zu hören ist. Einen besonderen Akzent setzt Sonya Sytnyk, die im Stück „Means Something To Me“ mit ihrem gefühlvollen Gesang beeindruckt. Das Album wurde im Mai 2024 in Berlin eingespielt und vermittelt eine Atmosphäre, die an die großen Zeiten von John Coltrane und Wayne Shorter erinnert.

Die Stücke des Albums im Überblick
Die Midtempo-Jazz-Ballade „Message To McCoy“ eröffnet das Album mit einem einprägsamen Thema von Kontomichalis. Es folgt ein ausdrucksstarkes Pianovorspiel von Tino Derado, bevor George Kontomichalis mit einem kunstvollen Altsaxofonsolo glänzt. Im Song „Means Something To Me“ rückt die gefühlvolle Interpretation von Sonya Sytnyk in den Vordergrund, begleitet von einem zurückhaltenden Klavierspiel. Im Anschluss entfalten sich Soli von Altsaxofon, Piano und Bass, die den achtminütigen Track wie im Flug vergehen lassen.
Mit „Blues Menu“ präsentiert die Band eine schwungvolle Swing-Nummer, in der George und Johannes gemeinsam am Saxofon auftreten. Ergänzt wird das Stück durch prägnante Soli am Bass und Piano. Das titelgebende „First Flight“ ist ein rasanter Hard Bop/Bebop-Titel, der durch kraftvolle Themen und Soli aller Hauptmusiker besticht. „Ruy Lopez Opening“ bringt südamerikanische Einflüsse ins Spiel und überzeugt durch das Zusammenspiel von Saxofon und Pianoimprovisation. In „Warrior Under The Rain“ steht zunächst eine freie Jazz-Einleitung im Mittelpunkt, auf die ein sphärischer Bass und virtuose Klaviersoli folgen. Das Album endet mit „You Stepped Out Of A Dream“, einem weiteren schnellen Hard Bop/Bebop-Stück, in dem sich die Saxofonisten sowohl solistisch als auch im Duett präsentieren, bevor Klavier und Schlagzeug das Stück abrunden.

Fazit
Die durchgehend akustisch und meisterhaft gespielte Musik verleiht „First Flight“ eine authentische Jazz-Atmosphäre. Das Album beweist nicht nur das hohe Niveau von George Kontomichalis und seiner Band, sondern macht „First Flight“ auch zu einem vielversprechenden Anwärter auf den Titel „Jazz-Album des Jahres 2025“.

Bewertung:
10-11 Punkte (von 12)

Klang:
(24bit/96kHz-File)
10 Punkte (von 12)

ROBBIE WILLIAMS
Britpop
CD, Digital
CD: Columbia
Digital: 24bit/44.1kHz-File
(2026)
Länge: 38:14
Länge (Deluxe-Edition): 60:32

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Tracks:
1. Rocket
2. Spies
3. Pretty Face
4. Bite Your Tongue
5. Cocky
6. All My Life
7. Human
8. Morrissey
9. You
10. It's OK Until The Drugs Stop Working
11. Pocket Rocket
Deluxe Version:
12. Selfish Disco
13. G.E.M.B
14. Comment Section
15. Fucking Amazing
16. 100% Beau
17. Desire (Official FIFA Anthem)

Britpop und Robbie Williams’ Eigenständige Interpretation
Entstehung und Merkmale des Britpop
Britpop ist eine Musikrichtung, die Anfang der 1990er Jahre in Großbritannien entstand und sich insbesondere durch einen gitarrenorientierten Rock- und Popklang auszeichnet. Zu den prägenden und bekanntesten Bands dieser Ära zählen Oasis, Blur, Pulp sowie The Verve. Britpop entwickelte sich dabei als bewusste Gegenbewegung zum US-amerikanischen Grunge, dessen Hauptvertreter Nirvana war.

Robbie Williams’ Auseinandersetzung mit dem Britpop-Genre
Mit seinem dreizehnten Studioalbum widmet sich Robbie Williams dem Genre Britpop und interpretiert es auf seine ganz eigene Weise. Das Album vereint zahlreiche Elemente, die typisch für den Stil sind: Ein starker Einsatz von Gitarren und klare, teils schlicht gehaltene Songstrukturen prägen das Gesamtbild.
Hervorzuheben ist insbesondere der Song „Rocket“, ein dynamischer Rock-Pop-Titel mit Hard-Rock-Anklängen, in dem Tony Iommi (ehemals Black Sabbath) ein markantes Gitarrensolo beisteuert. Neben weiteren kraftvollen Titeln überzeugt das Album auch durch ruhigere Arrangements, etwa die Streicherballade „Pocket Rocket“, die Midtempo-Rock-Ballade „Spies“, das von Oasis beeinflusste „All My Life“ sowie die eingängige Pop-Ballade „Human“ mit der Gastsängerin Joy Huerta. Ein weiteres kreatives Highlight stellt die Synth-Pop-Hymne „Morrissey“ dar, die in Zusammenarbeit mit Gary Barlow entstand.

Zusätzliche Inhalte der Deluxe-Version
Die Deluxe-Version des Albums bietet sechs weitere Songs. Dazu zählt „G.E.M.B“, das durch das Zusammenspiel von Bläsern und dem Gitarrensound auffällt, der schnelle, psychedelische Pop-Rocksong „100% Beau“ und „Desire“ – eine langsame Ballade und offizielle FIFA-Hymne, bei der Laura Pausini als Gastsängerin auftritt und das Vienna Synchron Orchestra für orchestrale Begleitung sorgt.

Gesangliche und musikalische Umsetzung
Robbie Williams überzeugt auf dem Album mit meist soliden gesanglichen Leistungen und seinem charakteristischen rauen Bariton, wobei er gelegentlich auch gefühlvollere Seiten seiner Stimme zeigt. Unterstützt wird er von mehreren erfahrenen Musikern, darunter Owen Parker, Martin Terefe, Karl Brazil und Emily Parker.

Künstlerische Qualität und Kritikpunkte
Das Album besticht in vielen Bereichen sowohl künstlerisch als auch handwerklich. Kritisch anzumerken sind jedoch die Überproduktion und die starke Kompression des Sounds, die vor allem auf die Vielzahl an beteiligten Produzenten und Aufnahmeingenieuren zurückzuführen sind. Ein kleineres Produktionsteam hätte dem Klang womöglich mehr Authentizität verliehen.


Bewertung:
7-9 Punkte (von 12)

Klang:
(24bit/44.1kHz-File)
6-7 Punkte (von 12)